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Crítica de "Han Solo: Una Historia de Star Wars" de John Powell y John Williams [*****]

A estas alturas resulta obvio decir que el genio melódico de John Williams no tiene comparación dentro de la música cinematográfica. Su imaginación bebe de una fuente inagotable que nos ha legado temas inmortales cuya principal virtud es su asombroso carisma. En "Han Solo: Una historia de Star Wars" vuelve a legar para la posteridad otro motivo inolvidable: 'The adventures of Han'. En la icónica saga galáctica ya contábamos con temas para Luke, Leia, Darth Vader y, por supuesto, Solo parecía huérfano de identidad musical. Con el mencionado motivo Williams rinde homenaje a un personaje de innegable atractivo mediante su inconfundible estilo fanfárrico pero adornándolo de la colorida pátina estelar. Pero el maestro de Nueva York no está sólo (nunca mejor dicho) en esta nueva aventura. Le acompaña el londinense John Powell, quien adapta algunos de los acordes más reconocibles de la saga, como, a su manera, ya hiciera Michael Giacchino en "Rogue One". La historia del cine ha contado con grandes arreglistas como Alfred Newman, Conrad Salinger, Lennie Hayton o André Previn. En esta ocasión Powell no utiliza el bastón como apoyo melódico, sino que crea su propia atmósfera musical caracterizada por un vigor épico que dibuja a la perfección la evidente peripecia argumental.
"Han Solo: Una Historia de Star Wars" es todo un espectáculo rítmico sin descanso que deja en el feliz oyente una sensación de déjà vu, pero una sensación muy alejada de cualquier percepción peyorativa.
  • Lo mejor: Los inspiradísimos temas 'The adventures of Han' y 'Lando's closet'.
  • Lo peor: que se acabe el festival a los 77 minutos.
Score en open.spotify.com



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Crítica de "Ready Player One" [***]

La relación de Alan Silvestri con el cine de acción y de ciencia-ficción ha sido muy estrecha desde sus comienzos en la industria. Ejemplos de ello son bandas sonoras como 'Tras el Corazón Verde', 'Regreso al futuro', 'El vuelo del navegante', 'Depredador', 'Mi amigo Mac', '¿Quién engañó a Roger Rabbit?', 'Mi novia es una extraterrestre', 'Abyss' o 'Regreso al futuro II'. ¿Qué tienen en común todas ellas, aparte del hecho de pertenecer a ambos géneros? Se trata de partituras escritas en los años 80. Ahora nos llega una nueva incursión en dicha variedad cinematográfica con la adaptación de la novela de Ernest Cline 'Ready Player One', en la que el realizador Steven Spielberg rinde homenaje al universo ochentero con un sinfín de referencias a una época llena de iconos socioculturales.
Ante la imposibilidad de contar con la inestimable colaboración de John Williams, que se encontraba inmerso en el momento de la posproducción en 'Los archivos del Pentágono', ambos decidieron, a su vez asesorados por el orquestador y compositor William Ross (que aquí también firma la instrumentación), contratar al músico más evidente: Silvestri. 
En 'Ready Player One' nos encontramos con una creación que es una referencia continua a los scores que el músico neoyorquino escribió principalmente en la etapa inicial de su carrera. La música describe, con mayor o menor pericia, las aventuras de los atribulados protagonistas no persiguiendo la creación de una temática especialmente original (su gran error en realidad), sino dejándose llevar por la nostalgia de su propio estilo como autor. Es cierto que todos los compositores beben de sus propias fuentes, pero en este caso Silvestri peca de ser autocomplaciente. Sus temas centrales no conmueven, son como un déjà vu que deja indiferente.
Score, en definitiva, que cumple en su propósito de ser referencial pero que sucumbe ante la búsqueda de la originalidad.
  • Lo mejor: las orquestaciones de William Ross y Henri Wilkinson.
  • Lo peor: decepciona la falta de ambición.


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Crítica: 'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa' de Marco Fedalto [*****]

'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa', producción animada italiana realizada por Sergio Manfio, narra las aventuras de un adolescente Leonardo Da Vinci que acude en ayuda de su amiga Gioconda debido a sus problemas económicos. Para ello salen en busca de un legendario tesoro que se supone hundido en las costas de la Isla de Montecristo. La película, que está a la espera de una distribución internacional (aunque ya se ha estrenado en Italia, Turquía y Grecia), se beneficia de la dinámica partitura escrita por Marco Fedalto, quien firma su primera banda sonora para la gran pantalla. El score es un homenaje al cine de animación y, en especial, a las producciones clásicas de piratas en las que el estilo de capa y espada inundaba la creación. 
Fedalto, discípulo de Conrad Pope, ha compuesto nada más y nada menos que 6 temas, algo, por desgracia, muy poco habitual en el cine contemporáneo. Con ello, 'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa' se convierte en un score de innegable riqueza temática en el que prima, por encima de todo, el tono jovial y festivo. No hay momento para el respiro; más bien todo lo contrario, pues la lluvia de motivos plenos de colorido hacen de la partitura una experiencia que nos devuelve a épocas pretéritas en las que el compositor otorgaba gran importancia a la variedad tonal.
Una primera obra que augura un futuro muy prometedor.
  • Lo mejor: la riqueza temática.
  • Lo peor: nada.




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Los mejores scores de 2017

Quizás el año que nos deja no haya sido especialmente destacable en la cosecha de scores sobresalientes, pero sí resulta indudable que durante 2017 hemos podido disfrutar de algunas composiciones que quizás en un futuro sean historia viva del séptimo arte. Estas son las que considero más importantes, como siempre desde una perspectiva muy personal:

'Wonder Woman' (Rupert Gregson-Williams)
En 2016 Gregson-Williams compuso dos magníficas bandas sonoras: 'La leyenda de Tarzán' y 'Hasta el último hombre'. Con anterioridad, otras obras también notables en su trayectoria fueron, por ejemplo, 'Hotel Rwanda' o 'Cuento de invierno'. Con 'Wonder Woman' se sitúa de manera muy evidente dentro del universo Remote Control & Media Ventures, pero distanciándose de la, en ocasiones, ampulosidad pueril de las partituras de superhéroes. En este caso, el compositor británico crea una serie de motivos de gran fuerza orquestal, que combinan a la perfección el estilo más contemporáneo con el clasicismo más añorado. 

'Una bolsa de canicas' (Armand Amar)
Habitual de la filmografía francófona (en especial norteafricana, belga y francesa), el músico israelí Armand Amar es un ejemplo de autor de fuerte personalidad. Sus creaciones se caracterizan, en líneas generales, por la emotividad y la sobriedad, tan tradicionales en los artistas que trabajan en el cine del viejo continente. Con 'Una bolsa de canicas' ha firmado uno de los scores más elegantes del año, con melodías de suave musicalidad, que no evitan el subrayado dramático propio de una historia profundamente trágica.

'Colossal' (Bear McCreary)
Con tan sólo 38 años, McCreary ya ha compuesto cerca de 80 bandas sonoras, lo cual, ya de por sí, es un logro más que notable. Sus inicios se desarrollaron en el mundo del cortometraje y la televisión. Sin embargo, no sería hasta el año pasado que el músico nacido en el estado de Florida empezara a consolidarse en la gran pantalla, gracias a scores como 'El bosque de los suicidios', 'The boy' o, sobre todo, 'Calle Cloverfield 10'. Con 'Colossal' (producida dicho año pero estrenada en el presente), la atípica pero memorable película de ciencia-ficción social del inimitable Nacho Vigalondo, ha conseguido posicionarse como uno de los compositores cinematográficos con más proyección, gracias a una obra que parece una continuación estilística de 'Calle Cloverfield 10', y en la que predominan los temas vigorosos orquestalmente hablando. Lejos quedan sus devaneos con los experimentos electrónicos. McCreary ha decidido, por fortuna, mostrar sus cartas como artista decididamente clásico.

'El jugador de ajedrez' (Alejandro Vivas)
Aunque parezca increíble, nos encontramos ante la segunda partitura para el cine del compositor almeriense Alejandro Vivas, tras la sobresaliente (que no la película) 'La conjura de El Escorial', de 2008. 'El jugador de ajedrez' es un score brillante en lo melódico que siempre deja en el oyente una sensación de sosegado placer. Una vez más nos encontramos ante un músico de profundas raíces tradicionales que confirma con su obra que se merece con su apasionada creación más oportunidades en el cerrado mundo del cine español.

'Jeepers creepers 3' (Andrew Morgan Smith)
De manera sorprendente, el director y guionista Víctor Salva no contó para la tercera parte con el músico de las dos anteriores, Bennett Salvay, quien había firmado dos scores muy recomendables. Para esta polémica tercera incursión en el universo del Creeper, ha contado con la inestimable colaboración de un casi desconocido compositor, Andrew Morgan Smith, autor de tan sólo 10 bandas sonoras para la gran pantalla. Con 'Jeepers creepers 3' ha sorprendido por el ímpetu orquestal de su creación, innegablemente deudora de las creaciones de Salvay, que ya se caracterizaban por su espectacularidad en cuanto a la instrumentación. No en vano Smith ha sido pupilo del gran David Newman. En resumen, una partitura oscura, tenebrosa pero lúcidamente estructurada.

'Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi' (John Williams)
Octava partitura del maestro Williams que, poco a poco, va conformando una vasta e imperecedera sinfonía galáctica. Con sus 85 años sigue escribiendo melodías perdurables, quizás no tan míticas pero sí profundamente emotivas. Apoyándose en casi una docena de orquestadores, crea una banda sonora épica que retoma con gran brillantez los temas de siempre, dotándolos para la ocasión de aún más solvencia dramática. Lástima que las imágenes no sean un buen compañero de aventuras.

'Cantábrico' (Santi Vega)
Para el magnífico documental de Joaquín Gutiérrez Acha, el compositor Santi Vega, especialista del género con partituras como 'Moradores del Himalaya', 'La guerra del tigre' o 'Los guardianes del planeta', se luce con un extraordinario tour de force temático que seduce por su capacidad descriptiva. De hecho, sin las bellísimas imágenes la música sigue teniendo una enorme fuerza.

'Wakefield' (Aaron Zigman)
Siempre he considerado a Zigman como uno de los compositores cinematográficos más infravalorados. Pese a contar en su filmografía con scores de la talla de 'John Q', 'Flicka', 'El diario de Noa', 'Conociendo a Jane Austen', 'Un puente hacia Terabithia' o 'La decisión de Anne', su encasillamiento en las comedias románticas ha provocado que no haya desarrollado en toda su amplitud el potencial que tiene como artista. Con 'Wakefield' firma no sólo un score de delicadas sonoridades sino uno de los temas más bellos de todo el año. Sólo por ello merece estar en esta lista.

'Los archivos del Pentágono' (John Williams)
Tras 'Lincoln' y 'El puente de los espías', Spielberg firma un nuevo melodrama político. La partitura de Williams es deudora de otras anteriores de similar temática como 'JFK' o 'Lincoln', donde imperaban las tonalidades graves y moderadas, pero sin evitar los momentos afectivos. Parece menor pero, en el fondo, nos encontramos ante una de las bandas sonoras más importantes del año.

'Ferdinand' (John Powell)
Especialista en el cine de animación, Powell nos regala una obra colorista y festiva. Tiene la peculiar virtud de resultar tremendamente espontánea y lúcida, naturalidad que se muestra en sus dos temas centrales, protagonistas junto con sus juguetonas variaciones de una banda sonora que acabará siendo con el tiempo todo un clásico.


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LOS MEJORES SCORES DE 2016


2016 ha sido un año especialmente notable en lo que a música cinematográfica se refiere, y, como todos los meses de diciembre, toca resumirlo con los scores más destacables desde mi subjetivo punto de vista, aunque bien es sabido en este tipo de casos que, a buen seguro, me dejaré en el tintero alguna banda sonora.
Estos son, en estricto orden de preferencia, los scores más importantes de 2016 (con su título original):

'Kubo and the two strings', de Dario Marianelli.
    No todos los años nos encontramos ante una creación de un clasicismo tan arrebatador como la escrita por el autor italiano, quien firma una composición alejada de lo innovador y rendida al más puro y contundente academicismo. Partiendo de un tema central memorable, Marianelli se deja seducir (no podía ser de otra manera) por la magia de unas imágenes llenas de luminosidad y belleza, al igual que su música.

'The Young Messiah', de John Debney.
    Debney es un artista mayúsculo que se merece como pocos un reconocimiento definitivo dentro de la Industria. Con 'The Young Messiah' se distancia, en cierta manera, del carácter innovador de 'La Pasión de Cristo' para adentrarse en una creación musical muy cercana a lo místico en la que priman las melodías elegíacas.

'La tortue rouge", de Laurent Pérez del Mar
   El compositor francés, con tan sólo 12 partituras para largometrajes, firma una obra que pasará a la historia del cine por incluir uno de los temas más emotivos de los últimos años. Apoyándose en la calidez de una seductora voz femenina, la melodía se convierte en una protagonista más de la historia de amor descrita en esa maravillosa película que es 'La tortuga roja'. Pero el score es mucho más que eso; es un canto a la belleza de la naturaleza y al amor incondicional.

'The BFG', de John Williams.
    ¡Cómo no! No podía faltar el maestro neoyorquino a esta cita de fin de año. Es posible que no sea una de sus obras más memorables pero Williams siempre cumple cuando se trata de seducirnos con sus temas sensibles y sus subrayados profundamente eficientes.

'The Monkey King 2', de Christopher Young.
    De todas las películas de la lista, ésta es quizás la de menor repercusión tanto de crítica como de público. No obstante, Young repite la línea tonal de su predecesora regalándonos un score de gran espectacularidad sin ningún claroscuro.

'Fantastic Beasts and where to find them', de James Newton Howard.
    Howard vuelve a demostrar que se siente como pez en el agua en el género fantástico y de aventuras, dando rienda suelta a su bien conocido tono épico. Es una banda sonora con algunos altibajos pero con momentos de enorme energía orquestal, lo que hacen de ella una obra muy a tener en cuenta.

'The jungle book', de John Debney.
    De nuevo Debney, en esta ocasión con una aventura familiar que se beneficia no sólo de unos espectaculares efectos visuales, sino también de un score de imponente clasicismo que cuenta con uno de los temas más brillantes del año.

'La La Land', de Justin Hurwitz.
    Una de las películas con mayor éxito de crítica y un trabajo del joven compositor Justin Hurwitz que rinde un emotivo homenaje al cine musical americano, a través de una temática de tonalidades ligeras pero no por ello menores.

 'Julieta', de Alberto Iglesias.
    Quizás sorprenda incluir el score de Iglesias pero debo confesar que me fascinó su notable sentido de la contención y muy especialmente su sensibilidad a la hora de describir a los personajes principales, huyendo de dramatismos y centrándose en su lado más humano.

'Rogue One: A Star Wars story', de Michael Giacchino.
    Giacchino rinde un sincero homenaje a su compositor preferido, John Williams, huyendo de copias superfluas y sin traicionar su propio estilo. Cumple en los momentos de acción y sobresale en los temas que se acercan al universo Williams.

'10 Cloverfield Lane', de Bear McCreary.
      Obra oscura pero no tétrica, muy consciente del tono claustrofóbico de la película. Aún así, sorprende por su energía y, sobre todo, por evitar el subrayado fácil.

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CRÍTICA DE "ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS" DE JAMES NEWTON HOWARD [****1/2]

Spin-off de la saga Harry Potter, 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos' es el bautizo cinematográfico como guionista de la célebre novelista J.K. Rowling. Ambientada 70 años antes de la mencionada saga, la película relata la historia del mago Newt Scamander, al que se le encarga la redacción de un libro sobre seres fantásticos. Para ilustrar musicalmente el largometraje de David Yates, los productores no han dudado en hacerse con los servicios de uno de los compositores más dotados melódicamente hablando: el californiano James Newton Howard. La partitura dibuja a la perfección el universo mágico de Rowling a través de una temática abiertamente épica pero que tiene en su vertiente emotiva sus momentos más logrados. Es bien sabido que Howard es un autor que da lo mejor de sí mismo en las producciones de corte aventurero y fantástico ('Océanos de fuego', 'Waterworld', 'El protegido', 'El planeta del tesoro', 'Mi monstruo y yo', 'Blancanieves y la leyenda del cazador'), y con 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos' vuelve a demostrar su inagotable talento como creador de melodías de gran sensibilidad apoyadas en una enérgica orquestación. Es posible que el aficionado no encuentre en esta ocasión una obra especialmente original pero su sentido del espectáculo y, por qué no decirlo, su carácter de plausible entretenimiento, hacen de ella un auténtico festival musical.
  • Lo mejor: El extenso tema 'Relieve him of his wand / Newt releases the Thunderbird / Jacob's farewell'.
  • Lo peor: las comparaciones.
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CRÍTICA 'DARK WAVES' DE ALEXANDER CIMINI [*****]


Tras 'Red Krokodil' y 'Shock: My abstraction of death', 'Dark waves: Bellerofonte' es la nueva colaboración entre el cineasta Domiziano Cristopharo y el compositor Alexander Cimini. En esta ocasión el músico italogermano nos vuelve a seducir con una creación intimista y plena de serena sensibilidad que otorga a la película de Cristopharo de un aire cercano a lo onírico, subrayando con ello su carácter de cuento de hadas moderno. El score toma como protagonistas a la sublime voz soprano de Monica Boschetti así como al violín, el violoncello, la flauta, el clarinete y el piano (interpretado por el propio autor), conformando un bellísimo concierto para orquesta e instrumentos solistas que ilumina la historia fantástica del filme. Un trabajo que confirma a Cimini como un compositor de innegable talento que, sin duda, nos ofrecerá en el futuro nuevas muestras de su gran creatividad.

Información de la edición en kronosrecords.com


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CRÍTICA DE "EL LIBRO DE LA SELVA" DE JOHN DEBNEY [*****]


John Debney y el director Jon Favreau han mantenido desde 2003 una estrecha colaboración que se concreta en las películas 'Elf', 'Zathura', 'Iron Man 2' y 'El libro de la selva'. Todas ellas tienen en común desde el punto de vista musical y cinematográfico su notable sentido del espectáculo. El caso que nos ocupa, 'El libro de la selva', es una nueva adaptación de la obra homónima de Rudyard Kipling que toma como evidente referencia la versión animada de 1967 de la factoría Disney, pero ahora mezclando la imagen real del protagonista con las maravillas de los efectos digitales. La partitura de Debney, perfectamente orquestada por el gran compositor Kevin Kaska, es, sin duda, una de las bandas sonoras más importantes en lo que va de año, gracias sobre todo al colorido tonal impregnado por el músico californiano, quien, consciente de las enormes posibilidades melódicas de la historia de Kipling, da rienda suelta a su pasión por la tradición sinfónica, en la que predomina una poderosa instrumentación. Pero donde 'El libro de la selva' sale definitivamente airosa es en su extraordinario tema central, lleno de sensibilidad y, desde ya, referente de toda la filmografía de John Debney,
  • Lo mejor: el tema principal.
  • Lo peor: nada.


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CRÍTICA DE "CARLOS: REY EMPERADOR" DE FEDERICO JUSID [*****]

Autor de unos 30 scores para la gran pantalla y 20 para la pequeña, el compositor argentino Federico Jusid es uno de los autores más notables del panorama musical actual. De entre sus partituras destacan con luz propia El secreto de sus ojos, La vida inesperada, Felices 140 y Misconduct (cine), además de Tierra de lobos, Hispania, Teresa, Isabel y, muy especialmente, Carlos: Rey Emperador (televisión). Por desgracia, de su filmografía sólo se han editado dos trabajos en formato CD; concretamente El secreto de sus ojos y la reciente Misconduct. Resulta del todo incomprensible que un autor de su talla se encuentre olvidado por las discográficas, y un ejemplo evidente de ello es la mencionada Carlos: Rey Emperador, sin la menor duda una de las bandas sonoras televisivas más destacables no sólo del último año sino de las últimas décadas. Nos encontramos ante un score que tiene en sus profundas raíces clásicas su mayor virtud. Jusid confiere al coro un protagonismo lúcido, quien, en compañía de la orquesta, dota a la obra de un brillante carácter solemne, como requiere en realidad la épica historia que describe. Retoma en más de un momento la línea melódica de la serie Isabel, que ya otorgaba a la música vocal un papel principal. Carlos: Rey Emperador no es, sin embargo, una mera sucesión de arreglos sino que Jusid atribuye a su creación el suficiente carisma como para ser considerada una obra de referencia.
  • Lo mejor: la interpretación de la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE.
  • Lo peor: la ausencia de edición discográfica.

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CRÍTICA DE "BATMAN VS. SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA" DE HANS ZIMMER & JUNKIE XL [***]

Hans Zimmer y Tom Holkenborg (Junkie XL) han colaborado de manera regular desde 'El espantatiburones' en scores como 'Madagascar', 'Kung Fu Panda 2', 'El caballero oscuro: la leyenda renace' o 'El hombre de acero'. Ahora se han vuelto a citar en una nueva aventura de dos de los superhéroes más carismáticos, 'Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia', que confirma a ambos compositores como auténticos referentes de la música de cine contemporánea. Siguiendo su línea melódica habitual, es decir, sinuosos motivos cuyo patrón es la reiteración casi obsesiva, la partitura toma como referente principal la temática abiertamente oscura, potenciada por la unión habitual entre orquesta y elementos electrónicos, que confieren aún mayor dramatismo al desarrollo del score. 'Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia' no aporta nada nuevo a la obra de Zimmer y Holkenborg, pues resulta en más de un momento en exceso conservadora, aunque los momentos épicos nos despiertan del, en ocasiones, poco deseado letargo.
  • Lo mejor: la conjunción de los compositores.
  • Lo peor: adolece de previsible.
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CRÍTICA DE "10 CLOVERFIELD LANE" DE BEAR McCREARY [****]

La obra del compositor nacido en Florida Bear McCreary se ha centrado casi siempre en el mundo de la televisión, empezando su singladura en 1997 con 'Surfing Channels', a la temprana edad de 18 años. Desde entonces destacan en su haber catódico 'Battlestar Galactica', 'Terminator: Las Crónicas de Sarah Connor', 'Eureka', 'Defiance', 'Agentes de SHIELD' y, sobre todo, la emblemática 'The Walking Dead'. Su primera incursión en la gran pantalla fue en 2010 con la olvidable 'Step up 3D', a la que han seguido películas como 'Europa One', 'Everly' o la reciente 'El bosque de los suicidios'. Ahora nos llega su última aventura cinematográfica, la esperada "secuela" de 'Monstruoso': '10 Cloverfield Lane'. La crítica norteamericana ha sido casi unánimemente muy elogiosa con el largometraje dirigido por Dan Trachtenberg, y, por el momento, el público parece haber respondido de manera positiva a un proyecto en apariencia modesto como el producido por J.J. Abrams.
El score de McCreary recrea los aires lóbregos de 'The Walking Dead', serie de la que toma, en cierta manera, su tema central, redibujándolo de manera muy sutil. Sin embargo, '10 Cloverfield Lane' no es un mero clon; ni mucho menos. Es una partitura que busca en todo momento la ambientación angustiosa de aires herrmannianos mediante una instrumentación muy perspicaz que no cae en la trampa de rendirse ante las tonalidades superficiales. De hecho, donde destaca es en el desarrollo de los temas de acción, en los que McCreary no se supedita al subrayado tradicional, sino que los dota de un vigor encomiable.
  • Lo mejor: el tema principal.
  • Lo peor: la reiteración de dicho tema.
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CRÍTICA DE "BURNT" DE ROB SIMONSEN [*****]

Curtido en mil batallas como compositor de música adicional de películas como 'Natividad', 'Locos por el surf', 'El imaginario del Doctor Parnassus' o 'La vida de Pi', todas ellas firmadas originalmente por su mentor Mychael Danna, Rob Simonsen es uno de los valores en alza del cine norteamericano. Entre sus scores destaca de manera muy especial una de las sorpresas del pasado año: 'El secreto de Adaline'. Tras ella se encuentra 'Burnt', vehículo de lucimiento para Bradley Cooper que pasó sin pena ni gloria por las taquillas internacionales. Se trata de un melodrama culinario (si se puede llamar así al género) que tiene como protagonista a un chef en busca de la redención a través de la cocina. La música de Simonsen es deudora de su obra maestra citada, y redunda en las melodías amables y muy cercanas al estilo de Danna, pero con el suficiente carisma como para dotar al score de autonomía propia. Es una creación de serena belleza que juega con lo ecléctico. Cada uno de sus 16 temas tiene la virtud de la originalidad, pues huyen de las reiteraciones deudoras de un tema central, lo que convierte a 'Burnt' en una rara avis del panorama actual.
  • Lo mejor: la solvencia de toda la partitura.
  • Lo peor: le brevedad de la misma.
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CRÍTICA DE "DIOSES DE EGIPTO" DE MARCO BELTRAMI [****]

El cine épico que tiene a Egipto como marco principal puede presumir de bandas sonoras de auténtico lujo como 'Sinuhé, el egipcio' (Bernard Herrmann y Alfred Newman), 'Tierra de faraones' (Dimitri Tiomkin), 'Cleopatra' (Alex North), 'El valle de los reyes' (Miklós Rózsa), 'Marco Antonio y Cleopatra' (John Scott), 'Los Diez Mandamientos' (Elmer Bernstein), 'Muerte en el Nilo' (Nino Rota), 'Stargate' (David Arnold), 'La momia' (Jerry Goldsmith) o incluso  'En busca del Arca Perdida' (John Williams). Todos ellos son scores que sobresalen por su tono solemne y clásico, llegando incluso a poder ser considerados como referentes de la música cinematográfica. Ahora nos llega una nueva aventura egipcia de la mano del director de 'Yo robot' Alex Proyas: 'Dioses de Egipto'. Largometraje que mezcla el género de aventuras con el fantástico que ha sido masacrado por la crítica en su estreno americano, y al que, además, el público le ha dado la espalda. La partitura corre a cargo del casi siempre solvente compositor Marco Beltrami, quien retoma su espíritu sinfónico de obras anteriores como 'Mimic', 'Hellboy' o 'El vuelo del Fénix'. En esta ocasión se decanta por la evidente línea melódica tradicional, que protagoniza los temas centrales de la partitura y que profundizan en el componente pomposo y épico, reforzado por la inestimable ayuda de seis orquestadores. Y aunque el score peque en no pocos momentos de ostentoso, su tono enérgico y de innegable espectacularidad hace de él un ejemplo perfecto de banda sonora cuyo sentido de lo clásico acaba por ser su principal aliado.
  • Lo mejor: el inusitado esfuerzo de Beltrami
  • Lo peor: en ocasiones resulta una obra aparatosa.
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CRÍTICA DE "EN EL CORAZÓN DEL MAR" DE ROQUE BAÑOS [****]

Al igual que compositores como Lucas Vidal, Javier Navarrete, Alberto Iglesias o Fernando Velázquez, el murciano Roque Baños es uno de nuestros valores más importantes en el panorama musical internacional. Una especie de Armada Española que invade pacíficamente Hollywood y que hace que nos sintamos orgullosos de su innegable valía. En el caso de Baños, podemos citar scores como 'Odboy', 'Evil dead' o 'Risen'. Pero, sin duda alguna, su aportación más notable corresponde a la excelente película de aventuras marinas 'En el corazón del mar' de Ron Howard. El músico de Jumilla elude las referencias a la época dorada, es decir, al estilo Korngold o Steiner, y, consciente de la realidad actual, crea una partitura abiertamente zimmeriana pero sin traicionar su propio estilo académico. De este modo, 'En el corazón del mar' seduce gracias a su lúcido dinamismo y, en especial, a su sentido de lo contenido. No es un score que busque la eficacia de los motivos memorables; más bien todo lo contrario. Se centra pues en el subrayado enfático, logrando con ello una obra de gran frescura.
  • Lo mejor: el tono festivo del comienzo y su lírico epílogo.
  • Lo peor: que no tenga una edición discográfica digna.
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CRÍTICA DE "RISEN (RESUCITADO)" DE ROQUE BAÑOS [****]

Nuevo drama de temática religiosa en el que un centurión investiga la desaparición del cuerpo de Jesucristo y que confirma la moda en el cine estadounidense de resucitar, nunca mejor dicho, las películas de corte espiritual. El encargado de poner música a tan peculiar encargo es nuestro compositor más internacional junto a Fernando Velázquez: Roque Baños. El músico de Jumilla firma una banda sonora que tiene ciertas reminiscencias de su notable trabajo para el filme de Ron Howard 'En el corazón del mar', en especial en los temas de acción. Sin embargo, donde 'Risen (Resucitado)' sobresale es en la temática centrada en lo meramente emocional. Temas como "The Ascension" o "Let's fish" confirman a Baños como autor de referencia en lo que a escritura de motivos sentimentales y afectivos se refiere, pero sin dejar de lado aquellos que describen la ambientación local con gran soltura.

  • Lo mejor: la sensibilidad de Baños en los temas emotivos.
  • Lo peor: que tenga escasa repercusión.
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CRÍTICA DE "THE YOUNG MESSIAH" DE JOHN DEBNEY [*****]

Basada en una novela de la autora de 'Crónicas vampíricas', Anne Rice, 'The young Messiah' relata la vida Jesucristo a la edad de 7 años desde su perspectiva subjetiva como niño. Llevada al cine por el autor de la impactante 'La verdad de Soraya M.", Cyrus Nowrasteh, supone una nueva colaboración del realizador estadounidense con el magnífico compositor John Debney. El score, deudor en cierta medida de 'La Pasión de Cristo' desde el punto de vista melódico, es, desde ya, una de las bandas sonoras de referencia del año. Debney recrea la infancia de Jesús a través de motivos llenos de melancolía y serena belleza tonal, y utiliza la voz femenina como sutil reflejo de la espiritualidad de la historia, resultando una obra que, salvo los momentos que subrayan el inevitable componente tradicional, sobresale por su espíritu elegíaco. Una partitura que, con el tiempo, acabará convirtiéndose en un clásico moderno.
  • Lo mejor: la plácida belleza del conjunto.
  • Lo peor: que se compare negativamente con 'La Pasión de Cristo'.
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LOS "OLVIDADOS" DE LOS OSCARS 2016


Cinco candidatos por la ansiada estatuilla: John Williams ('Star Wars: El despertar de la Fuerza'), Ennio Morricone ('Los odiosos ocho'), Jóhann Jóhannsson ('Sicario'), Carter Burwell ('Carol') y Thomas Newman ('El puente de los espías'). Entre los cinco acumulan exactamente 72 nominaciones, aunque 50 de ellas del lado de Williams (y 13 de Newman). Como es lógico, la selección puede ser discutida desde un punto de vista subjetivo, pero también lo es el hecho de que este año los candidatos son, aparte de previsibles, justos. Los académicos siempre se han decantado en sus preferencias por una salomónica mezcla de clasicismo e innovación. En este sentido, Jóhannsson se queda solo del lado de la innovación con su score oscuramente atonal, y quizás resulte la banda sonora menos atractiva para el aficionado por su tono abiertamente frío.
Sin embargo, en el camino se han quedado otras partituras que bien podían haber formado parte de la lista definitiva. En primer lugar, y como ya he expuesto en otra ocasión, opino que la Academia de Hollywood ha perdido una oportunidad de oro para rendir un más que merecido (en todos los sentidos) homenaje al añorado James Horner, quien podía haber sido nominado por sus tres últimas creaciones: 'Los 33', 'Southpaw' y, sobre todo, 'El último lobo', en este caso su última colaboración con el cineasta francés Jean-Jacques Annaud. 'Wolf Totem' es, sin duda, una obra que se sumerge en las raíces de la música de cine más clásica, siendo precisamente su tono académico la característica principal, además de su belleza melódica, tan poco habitual en los últimos años. A su lado, podía mencionar a su vez otros scores de gran calado y atractivo como 'El desafío' de Alan Silvestri (con quizás el tema más brillante de todo 2015), 'Mad Max: Furia en la carretera' (Tom Holkenborg seduciendo con una obra de enorme complejidad que parece querer anunciar el futuro de la música cinematográfica), 'El destino de Júpiter' y 'Del revés' (Michael Giacchino demostrando que es el autor más en forma de los últimos años), 'Cenicienta' (Patrick Doyle siempre se merece cualquier premio por su gran sensibilidad), y, por qué no, la sorpresa del año: 'El secreto de Adaline' (Rob Simonsen ofrece sus credenciales regalándonos un score lleno de delicadeza).


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LOS 10 MEJORES SCORES DE 2015



2015 nos dice adiós y con él una nueva selección de los mejores scores del año, como suele ser habitual en estos casos con el debido tono subjetivo de la misma. Diez partituras que muestran que la música de cine sigue más viva que nunca, pese a sus inevitables altibajos. A buen seguro que en la lista estarán ausentes bandas sonoras de innegable solvencia, pero es tan sólo una visión personal de lo que el año nos ha deparado. 
Estos son los scores que han dado en la diana:

1. 'Star Wars: El despertar de la Fuerza' (John Williams).
El maestro Jedi por excelencia retorna al universo galáctico por la puerta grande, con una obra mayúscula de principio a fin, sin ninguna fisura y cuya mayor virtud no es la creación de apoteósicos nuevos temas (todos ellos, por otra parte, maravillosos), sino la sutil adaptación de los clásicos. Una joya y, sin duda, el mejor score del año.

2. 'El destino de Júpiter' (Michael Giacchino).
Giacchino sigue insistiendo, por fortuna, en potenciar su evidente estilo académico, y con 'El destino de Júpiter' nos regala un score de gran versatilidad, enérgico y, a la vez, profundamente emotivo.

3. 'El último lobo' (James Horner).
El legado del añorado James Horner lo constituye una de sus creaciones más sobresalientes. Nueva colaboración con el realizador galo Jean-Jacques Annaud que destaca por su lirismo vehemente y, sobre todo, por su gran sentido del espectáculo.

4. 'El secreto de Adaline' (Rob Simonsen).
La sorpresa del año la constituye este secreto de Rob Simonsen, partitura de indiscutible belleza tonal que descansa en firmes cimientos y que es modelo de banda sonora romántica.

5. 'El desafío' (Alan Silvestri).
Silvestri y Zemeckis, la pareja más fiel de Hollywood, repiten colaboración y, en esta afortunada ocasión, con un score que va in crescendo a lo largo de la película, y que tiene en su epílogo la demostración del inagotable talento del músico neoyorquino.

6. 'Mad Max: Furia en la carretera' (Tom Holkenborg).
Holkenborg sale airoso de la difícil tarea de recrear musicalmente la frenética película de George Miller, evitando caer en estridencias previsibles y decantándose por motivos melódicos poderosamente convincentes.

7. 'Los odiosos 8' (Ennio Morricone).
A sus 87 años el maestro italiano parece, como Williams, dispuesto a demostrar a las nuevas generaciones que sigue en plena forma. 'Los odiosos 8' es como un viaje en el tiempo a la década de los 60, pero con las virtudes de la experiencia. Sólo un pero: el empleo no demasiado acertado que Tarantino hace de la música en el montaje final.

8. 'Del revés' (Michael Giacchino).
Deudor, en cierta forma, de la línea melódica de 'Up', con este nuevo score animado Giacchino saca a relucir su capacidad de dibujar en el pentagrama un sinfín de sentimientos pero sin dejarse seducir por sensiblerías. 

9. 'Extinction' (Sergio Moure de Oteyza).
Moure juega con lo oscuro y lo lúcido de manera muy solvente, desarrollando una partitura de gran consistencia, en especial su memorable tema de amor.

10. 'Peter and Wendy' (Maurizio Malagnini).
Compositor desde 2010 de series y telefilmes, Maurizio Malagnini ha dado un paso de gigante con esta película para televisión protagonizada por Stanley Tucci y cuya partitura es un extraordinario homenaje al fantástico universo de J. M. Barrie y, sobre todo, a los clásicos de la era dorada de Hollywood.

Nota: Gracias a Josep M. Blanch Turón por "presentarme" la maravillosa banda sonora escrita por Maurizio Malagnini.
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La opinión de Scoresdecine (enero-julio 2015)



  • 'Relatos salvajes' (Gustavo Santaolalla). 
  • 'Big eyes' (Danny Elfman). 
  • 'Jupiter ascending' (Michael Giacchino). 
  • 'La isla mínima' (Julio de la Rosa). 
  • 'Kingsman: The secret service' (Henry Jackman y Matthew Margeson). 
  • 'Fifty shades of Grey' (Danny Elfman). 
  • 'Le dernier loup' (James Horner). 
  • 'Cinderella' (Patrick Doyle). 
  • 'Far from the madding crowd' (Craig Armstrong). 
  • 'Mad Max: Fury road" (Tom Holkenborg). 
  • 'Avengers: Age of Ultron" (Danny Elfman y Brian Tyler). 
  • 'A royal night out" (Paul Englishby). 
  • 'Pirate's passage' (Andrew Lockington). 
  • 'San Andreas' (Andrew Lockington). 
  • 'Texas rising' (Bruce Broughton y John Debney). 
  • 'Tomorrowland' (Michael Giacchino). 
  • 'Jurassic Wolrd' (Michael Giacchino). 
  • 'Inside out' (Michael Giacchino). 
  • 'Indian summers' (Stephen Warbeck). 
  • 'Minions' (Heitor Pereira). 
  • 'Southpaw' (James Horner). 
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